Avec Tact !, création de Jackie Taffanel à la Chapelle, on a renoué avec quelque chose. En effet, depuis le départ de la compagnie vers Perpignan (et cela remonte à 10-12 ans, non ?), 1 : nous n’avons eu que très peu l’occasion de voir les pièces de Jackie ; 2 : encore plus rarement dans des salles un peu huppées et 3 : souvent dans des conditions de “reprise”. Or comme il arrive fréquemment que les créations de Jackie soient faites spécialement pour un lieu et soient ambitieuses spatialement/scénographiquement, forcément on perdait pas mal de choses.

Or, pendant près de 15 ans (avant !), c’était la compagnie de Jackie qui rythmait, avec le CCN, la saison de danse de Montpellier. Et même, c’étaient ses affiches qui marquaient le territoire de la danse. Elle ciblait alors sur une imagerie noir et blanc, ma foi, fort bien venue. Avec son départ, on a perdu ce travail-là, même si par moments le Centre chorégraphique le fait… un peu trop par coups médiatiques, il faut bien le regretter (Ce que je veux dire par là, c’est qu’il est désormais assez rare de voir les bobines des danseurs et danseuses d’ici sur les murs… il est vrai que toute une série de lois sur l’affichage sont parues, mais bon, la musique continue à être visible, non ? Vous me direz aussi que les pouvoirs publics demandent – en bruit de fond – aux compagnies de s’institutionaliser, c’est à dire d’être sérieuses et d’arrêter de se montrer comme des “groupes”, mais bien plutôt de rentrer dans le format sagement ringard des théâtres d’état. Bref : nous vivons des temps inintéressants).

Donc, création… Tact ! – une fois qu’on l’a vue – est une pièce qui utilise deux sens de ce mot. A la fois son dérivé évident : tactile et le sens plus sophistiqué, lié au social, que l’on pourrait ramener à la courtoisie, la politesse, la décence  : avoir du tact. Dit autrement, on part du toucher et de l’individu pour aller au social… pour suggérer que nous ne sommes pas des machines vivant dans un environnement de machines et agissant vis à vis des autres machines au moyen de connexions wi-fi ! Deux danseuses apparaissent à chaque extrémité d’un plateau bâti en triangle. Au fond, une longue hypoténuse : une table recouverte de papiers et de divers tissus blancs, tous très grands. Au sol, un espace composé de parallépipèdes laineux. Le blanc et le laineux sont un leitmotiv des accessoires. Mais il y a aussi un filet (à papillon), dans lequel une des danseuses se prend et se transforme en goule (ou en cri de Munch ?)

Malgré ce, en général, l’environnement est plutôt doux et accueillant. On peut cocooner, on peut aussi se cacher sous la table, ce que ne manqueront pas de faire les danseuses (il y a notamment un beau passage où ne reste d’une des danseuses que des yeux de braise au milieu d’un environnement blanc). A partir du nid qu’elles se contruisent, les deux danseuses se construisent aussi une relation. Une projection vidéo construit cela aussi en démarrant d’une origine striée de bleu.

Ce qui nous amène à dire : le spectacle a une semi-fin, on pourrait dire qu’il plonge dans la nuit. En même temps, le spectacle n’a pas de début. Les deux danseuses ne sont pas informes, elles sont déjà construites quand elles arrivent. Ce qui revient à dire qu’on ne part pas d’un chaos pour aller dans une construction. On part d’un état existant, on déroule des évènements et on va se coucher pour recommencer.

Pourquoi cette divagation de ma part ? Parce que dans la deuxième partie de la pièce, les danseuses seront trois (le social n’est pas la famille, la société n’est pas un couple !) Et ces trois là, du fait de la danseuse aux yeux de braise (qui se trouve être la goule – il faudra quand même que je me pose la question de son nom !) m’ont fait penser à des divinités grecques. Rappelons que les divinités grecques ont plusieurs niveaux de standing. Et que même au sommet de l’Olympe, on est un peu négligé, voire carrément “gros dégueulasse”. Je ne suis donc pas en train de dire que les danseuses étaient extrêment sophistiquées, je suis en train de dire qu’elles avaient quelque chose de hiératique, de fatal et de “porteuses de destin”. Les Sirènes, les Parques… un peu de ça, oui (les 3 Grâces ? Oui aussi !) Et donc ? Je veux dire : on est dans l’espace politique grec. Tout est destin et tout se construit par notre propre volonté. L’espace du ressenti et de l’intellectuel, l’espace de la dialectique, l’espace de la lutte et de l’amour. On est dans le mental indo-européen, pas du tout dans le mental asiatique.

Il y a beaucoup de danse, avec quelques unissons. Il y a beaucoup les mouvements amples des bras, très Taffanel. Mais il y a surtout “l’esprit de la contemporaine”. Ce que je veux dire par là, c’est que, ce que l’on voit, c’es une pièce qui démarre par quelques mouvements doux, par le toucher de la peau sur la laine, par l’occupation de l’espace dictée, manifestement, par la volonté errante de chaque danseuse. Et puis cela part dans une direction. Mais cela aurait pu être une autre! Comme une totale incertitude, ou plutôt comme la possibilité infinie de chemins de bifurcation. Et l’on voit une composition, on comprend son thème, mais on voit surtout que cela aurait pu être différent. Et cela se sent et cela fait le charme de la chose. C’est très écrit, en ce sens que l’on se doute que les danseuses font quelque chose de précis, de placé : elle savent les unes les autres où elles se trouvent. Mais la pièce aurait pu être toute autre, elle est le fruit d’une inspiration instantanée à un moment donné. La glorieuse incertitude du jazz ? En quelque sorte !

La musique est là-dedans évidemment. A la fois très organique, très mathématique, très machinique. Du Tangerine Dream, composé en live (au sens précédent) par Frank Breitschneider. Elle respire le même état d’esprit mais est, au final, moins tourmentée et moins effrayante que peuvent l’être les danseuses. La vidéo n’est pas loin de ça, mais se finit dans des choses très construites (en anglais, on dirait build, comme dans building), que pour ma part je n’ai pas saisies.

Dernier aspect que je voudrais signaler. C’est une pièce très féminine. Je ne sais pas trop ce que cela veut dire, évidemment… Mais en même temps, je sens bien que ce n’est pas du tout une pièce masculine. Les “valeurs” n’y sont pas. Et la guerre n’est pas dans ce social là.

Pour résumer : une pièce de Jackie, plutôt douce, dont on pourrait parler des heures (car on n’aborde ici que ce qui marque au premier abord… L’analyse du mouvement mérite une deuxième vision, au moins – on pourrait aussi disserter sur les couleurs des vêtements, leur forme, la notion de dénudé, que j’ai trouvé puritaine, ce qui a sans doute une raison (mais est une constante chez Jackie, non ?), etc.) Les trois danseuses sont accordées. Le thème est évidemment d’actualité (mais perdu au fond de notre bruit de fond quotidien – en quelque sorte : c’est un point important en nous que Jackie remonte à la surface). A voir, à revoir… Evidemment, vous aurez compris, c’est une pièce dans le style contemporain… autrement dit, c’est à cent lieues du commercial de supermarché culturel, ça ne peut pas passer à la télé (ça ne peut pas organiquement passer!) Cela peut et doit être vu et revu, comme une musique ou un film un peu intelligent… Mais à cette aune-là, ce sera un film européen, légérement surréaliste… ou alors un passage de la ligne rouge (Terrence Malick) où le soldat égaré caresse les blés.

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Le point n’a pas manqué d’être souligné. Après pas mal d’années de travail en commun, Mame Hervieu et Mssieur Montalvo se séparent artistiquement (le reste ne nous regarde pas !) Compte-tenu du fait que ce couple artistique a tenu le haut du pavé pendant au moins une décennie sinon deux, la conclusion méritait évidemment d’être vue et d’une certaine manière, on n’a pas été déçu.

Donc Orphée. J’ai dit à quelqu’un avant d’entrer “Je prend la feuille de salle pour comprendre. Parce que souvent, il y a un éléphant la tête en bas et je ne comprends pas !” C’était en quelque sorte prémonitoire (certain auront compris ici que cette chronique ne va pas être sérieuse… c’est tout à fait une erreur, je suis à l’aune de Montalvo-Hervieu ou du moins j’essaie !) Il y avait donc des élephants dans Orphée…. et je n’ai pas compris pourquoi. J’en déduis après toutes ces années que le couple aime les élephants et je ne vais pas lui reprocher. Ils  aiment les élephants, donc ils les filment et ils nous les montrent. Et ça ne présente aucun intérêt… sinon humoristique.

Et c’est là où je suis très embété. Car ils n’aiment pas que les élephants, ils aiment aussi les canards. Alors ils en glissent quelques uns sur la scène, comme qui dirait en catimini. A un moment, ils sont en bas de l’écran, ils passent… Et ça m’a rappelé irrésistiblement la coccinelle de la Rubrique à Brac de Gotlib. Et là je me suis demandé : “comment se fait-il que j’accepte parfaitement qu’un type qui dessine merveilleusement, comme Gotlib, fasse des trucs pleins de dérision… Et que au fond, je n’accepte pas tant que ça (je n’apprécie pas, c’est le sens de mon “accepter”) que Montalvo-Hervieu fassent un truc plein de dérision, avec d’aussi beaux danseurs ???” Autrement dit, Montalvo-Hervieu sont la branche comique de la danse d’aujourd’hui, comme il y a une branche comique du cinéma ou de la BD (comme il y en a eu une de l’opéra, avec Offenbach, par exemple).

Et là, on ne peut pas dire que le public ne rie pas ou n’apprécie pas. Je dirais même plus : au contraire. Le public tape la cadence, rit beaucoup et applaudit comme un fou.

Repartons de ce que l’on voit. La scène est occupée par les danseurs et divisée en deux parties : la scène de base et un fin plateau surelevé, qui sert à défiler. Sur le fond de scène (lui même, donc, divisé en deux hauteurs, du fait du plateau de défilé du haut) est projeté un film composé de plusieurs profondeurs et éventuellement découpé en deux parties horizontales (permettant de rajouter un autre défilé… qui se passe au lieu des marchands de livre, sur les quais de la Seine à Paris… coté Sud).

Bref, il y a beaucoup de profondeur de champ artificielle. Comme d’habitude chez M-H, on a les danseurs qui font à peu près la même chose sur scène et sur film, ce qui crèe un contraste de taille (visible sur la photo ci-dessus). Bon… Il y a aussi une sorte de scénario à partir du mythe d’Orphée. Et là, c’est assez déprimant. C’est pire que dans les films d’Hollywood où tout est clairement expliqué plusieurs fois de suite. Là, on explique des choses que l’école républicaine aurait dû apprendre à tous, c’est à dire la base du mythe d’Orphée. Ce musicien qui séduit tous et toutes et qui, à la mort de son amour Eurydice, part dans les Enfers la rechercher et à force de séduction (de qui ?) la ramène… Mais… Car il y a un mais… Bref, c’est le mythe de Loth, aussi, etc.

Quand je dis “on explique“, c’est qu’il y a une bande-son qui dit les choses. Ce qui fait qu’il n’y a plus de mythe du tout… il y a une sorte de scénar de film pas très intéressant en tant que tel… sauf que, effectivement, Eurydice est gironde (voir photo du haut)… on pense à Cameron Diaz… (il ne s’agit pas d’une ressemblance physique au sens des mensurations (quoique). Il s’agit plutôt d’un état d’esprit corporel. Ces deux jeunes femmes semblent appuyer sur les même ressorts empathiques et comiques… Ce qui n’est pas du tout un reproche et même c’est un compliment… je reviendrai ensuite sur l’aspect libéré des corps).

Il y a de la danse, on ne peut pas non plus dire le contraire. Une danse qui travaille à partir de danses de cour, de danse hip-hop et de beaucoup de travail de cirque. et c’est super, je suis totalement enthousiaste là. Et donc en deux mots, ce qui me gène, c’est que ce soit mis au service de rien, sinon du divertissement. Je n’ai aucune nourriture intellectuelle. Et donc, en me ramenant aux deux exemples cités, je suis mis du coté d’Hollywood et en aucun cas du coté de Gotlib (ou de Goscinny… ou de l’humour à contenu intellectuel sous-jacent).

Autrement dit, même si je ris, je ne me sens en aucun cas solidaire du type de société qu’il y a là derrière. C’est une société où l’art est conçu commerciallement, où l’art n’est pas à lecture multiple… où l’art n’est pas de l’art.

Il faut quand même parler d’une chose. Les corps des danseurs, même des danseurs handicapés (il y en a), est libre, j’aurais même tendance à dire dévergondé ! Ce mot est un peu désuet, mais il exprime là l’idée que les corps sont provoquants, vis à vis de la gravité terrestre, vis à vis de la sexualité. Ils bouffent la vie à pleine dents (le coté positif de Cameron Diaz d’ailleurs). Ils sont pleins de joie, de sève, d’envie. Ils sont donc au coeur du message de ce qu’a été la danse contemporaine, libérant sur scène (au moins) le corps des danseurs. Et je ne pouvais m’empécher de penser au corps de beaucoup de jeunes danseuses que l’on voit comme des chevaux rétifs, comme si ce que demandait le chorégraphe était une difficulté/contrainte/libération impossible… alors que là, on voyait des danseuses comme prètes à tout. Une des danseuses fameuses du 19ème siècle s’appelait “la goulue“. Il y avait bien entendu un contenu sexuel. Ce n’est pas à ça que je pense, mais le mot a du sens. Là, on avait affaire à des goulu(e)s. Explosivité, joie de vivre. Mission impossible, coté fun. Un versant de la danse contemporaine qui ne me plait pas trop. Mais un vrai versant de la danse contemporaine, en tout cas. Par la démonstration qu’à “corps libéré, rien d’impossible“.

PS : Avec un peu de recul, je me suis remis à penser à Offenbach. C’est le musicien du Second Empire. Qui croirait à l’écouter que c’était un temps de guerre assez intense, où la France intervenait tous azimuths (de l’Italie au Mexique) façonnant en Afrique et en Afrique du nord un empire colonial (à coups de meurtres asymétriques !) ?

De même, qui croirait à voir Orphée que la grande question actuelle de la France est sa guerre en Afghanistan ? (D’ailleurs, même si je dis ça, qui me croirait ?) Il y a handicapés et amputés dans Orphée. Qui pourrrait penser une seule seconde qu’il s’agit d’un de nos soldats qui a perdu ses membres au combat ? Qui pense à ça ? Comme si on avait un art des temps occultés ? Oui, il y a peut être une identité là.

On pourrait se demander pourquoi parler du processus de création ? Car il faut dire qu’au fond, ON S’EN FOUT ! Mais voila, dans une certaine danse contemporaine, il a été d’usage d’avoir un processus de création où le chorégraphe proposait soit des consignes, soit des thèmes, et où ensuite, les danseurs-interprètes proposaient, à partir d’improvisations ou de réflexions, des pas de danse… Il faudrait observer là qu’au fond, c’est une pratique très montpelliéraine, dont on ne sait vraiment si elle perdure ailleurs… et dont on pourrait bien se demander aussi s’il n’y a pas là la source du décalage grandissant entre la danse montpelliéraine et le succès public (faiblesse observable des achats et des tournées, hormis pour les spectacle jeunes public !) Autrement dit, je vais vous expliquer que dans l’art en général, on se moque bien du processus de création : ce qui compte, c’est le résultat final (ainsi que quelques résultats d’étape…) Et en même temps, je suis en train de vous dire que si ça se trouve, ce qui entraîne le désamour entre les chorégraphes montpelliérains et le public français, c’est leur processus de création. Bon, cela s’appelle une contradiction, qu’on peut lever en observant que ce qui compte, c’est le résultat final, mais pour avoir un résultat final juste, il faut bien poser l’équation de départ !

Dans Spider Galaxies (et il nous a annoncé ce soir là, qu’il allait continuer un temps comme ça!), Gilles Jobin est parti d’une multitude de photos et il a demandé aux danseurs de passer d’une photo à l’autre en proposant des gestes. Il a ensuite coordonné les gestes, réglé ça comme une horloge suisse (logique) et ajouté une musique et des costumes (là, j’avoue que je n’y comprend rien, j’y reviendrai). Voila… Faut-il s’en extasier ? A mon avis, non. C’est un processus de travail de montage que tous les amateurs de cinéma ou de cinéma d’animation (ou de BD) connaissent ! C’est utilisé depuis pas mal de temps et évidemment avec les ordinateurs et le stockage d’images (les disques durs de mon collègue Albert Fert) le processus est devenu plus facile et plus facile à systématiser.

Donc, on va beaucoup s’extasier, alors qu’il s’agit simplement d’une nouvelle forme du processus d’informatisation de la chorégraphie, d’essence identique à l’utilisation de logiciels primitifs par Cunningham. Tout ça pour dire que s’extasier devant ce truc comme un pharmacien devant une équation différentielle, cela prouve simplement qu’on est un peu en retard sur l’évolution des techniques. Bref, passons…

Par contre, le résultat était super… mais je serais bien en peine de vous expliquer pourquoi et surtout pourquoi ça me plait toujours autant ?

Ce que l’on voit, c’est deux paires de danseurs/danseuses, démarrant assez lentement autour d’un processus très chaleureux, permis par la pointe de faisceaux lasers. La musique et de type Tangerine Dream, très construite et assez délectable. Les vêtements sont simples (petite robe, pantalons et tee-shirts stricts). Il y a bien évidemment un travail sur la couleur des vêtements (froides et simples), il y a éventuellement un effet sur une des danseuses qui a une tenue ras-le-bonbon (mais il n’y a rien d’indécent et elle a les jambes pour ça, donc je ne pense pas qu’il y ait un aspect de provocation… Cela reste très froid et distancié… Suisse ?) Ensuite, les mouvements s’enchaînent, il y aura des passages lents, des passages rapides, des immobilités, des sorties, des changements de costume… Bref, c’est une composition, au sens musical du terme. Il y a peu de contacts, en tout cas, même dans les poses les plus sexualisés, les contacts restent d’un froid clinique, mais sans qu’il y ait du morbide. Un degré zéro du geste ? Pour moi, il y a toujours eu du Bagouet chez Jobin. Au sens de la composition spatiale. Il n’y a sans doute pas autant de canons (ou d’unissons)… Mais les dispositions, les courses, les liens à distance me semblent dans cet esprit. Si bien que je qualifie en général, quand j’en parle (car Jobin est quelqu’un qui compte beaucoup pour moi) de “Bagouet minimaliste” d’une part et “d’horloge suisse” d’autre part. Ces deux qualificatifs sont assez simplets, je le reconnais, mais ça permet d’expliquer les choses, ce qui est l’essentiel.

Ce qui m’amène à deux points. Premier point, pourquoi, alors que le monde est en train de changer, que le social ressurgit au premier plan, que les corps sont libérés d’une certaine oppression sexuelle et restent prisonniers d’une oppression sociale/économique, autrement pourquoi, alors qu’il est temps de faire du théâtre, cette danse qu’il faut bien qualifier de pure me plait-elle autant ? Je n’ai pas de réponse. Je ne pense pas que cette danse corresponde à l’air du temps. Par contre, je pense qu’elle est suffisamment bien composé pour passer les années. Un peu comme du Bach (ou du Bagouet). On prend un vrai plaisir physique (rythmique) et intellectuel à être là.

Le deuxième point en découle. Gilles Jobin, c’est du classique. J’en ai un peu marre de la séparation classique/moderne. Je trouve qu’il n’y a pas de signification là-dedans. L’école Badiou parle plutôt de 3 modes :  didactique, classique et romantique. Et là (mais dans l’autre séparation aussi !), il est clair que Jobin, c’est du classique. Ce qui fait voler en éclat le sens du mot “danse contemporaine”. Tous les processus de la danse contemporaine sont là (comme dans Bagouet d’ailleurs). Mais il est clair que c’est de la danse classique. Au sens où c’est de la danse et au sens où c’est du classique ! Et comme dans une certaine danse romantique, dite par tout le monde “classique” : ben, les danseurs sont grands et beaux! N’est-ce pas là aussi la source des problèmes des chorégraphes montpelliérains ? Il continuent à travailler avec des corps de danseurs un peu comme monsieur-tout-le-monde (entraînés, certes…) Partout ailleurs, on voit de merveilleux corps. Hum, la danse n’est pas le foot !

NOTE : A force de négliger le corps de “monsieur tout le monde”, les “chorégraphes qui gagnent bien leur vie” sont bien évidemment en train d’oublier le caractère libérateur (au sens sexuel) de la danse “dite contemporaine”, c’est une évidence ! Et un jour la contradiction leur pétera au nez… Si elle n’a pas déjà pété d’ailleur, car la puissance financière des administratifs dans ce milieu, n’est-elle déjà pas le signe d’une remise-au-pas totale de la danse. Autrement dit, je suis pour le “classique” dans la composition et pour le contemporain libéré dans le choix des corps ? Oui. Et ça peut marcher ? Hum…

Note 2 : Certains m’ont dit qu’il y avait un lien avec le rock… Effectivement, pas mal d’images montrées par Gilles lors de la discussion étaient des photos correspondant à la période du rock puis du punk. Mais il ne faudrait pas pousser le bouchon trop loin. Il n’y a jamais vraiment eu de “photo rock”. Les quelques essais artistiques ont été dus à des photographes “beat” (ce qui ne date pas d’hier) , comme Robert Frank pour les Stones ou des plasticiens pop (idem) comme Warhol. Les expériences que l’on peut qualifier de “rock” dans la photo sont très récentes et en tout cas bien plus récentes que les choix de Gilles (qui d’ailleurs utilise aussi beaucoup la peinture et les dessins du 19ème) : je pense à Antoine d’Agata, Sophie Calle ou Nan Goldin. Avant ça, on reste de facture classique quand à la composition et l’éclairage. Et même si je connaissais la plupart des photos de rock qu’il a utilisé, la pièce m’a plutôt fait spontanément penser aux bas-reliefs de cathédrale ou de temples asiatiques, sources d’inspiration fréquentes des photographes.

PS : Voila un article totalement élogieux : comparer quelqu’un à Bach et à Bagouet en terme de composition, ce n’est pas rien ! En même temps, il est écrit de telle manière que je doute que Jobin puisse l’utiliser ! Voila comment on fait en sorte de n’être jamais cité. Est-ce inconscient, est-ce voulu ? Allez savoir !

J’en ai été informé trop tard (ou je n’ai pas été assez vigilant !) pour vous prévenir. Quel dommage!

Car la conférence de Badiou a été un beau moment… et il faut remercier à la fois la Vignette, le CCN et Montpellier-Danse de l’avoir organisée.

A priori, ce moment là a été enregistré et il sera donc possible d’en prendre connaissance. D’autre part, il ne sortait pas vraiment des idées développées dans “Petit manuel d’inesthétique” dont j’ai déjà parlé voila quelques années (je vous retrouve la réference d’ici peu !). Vous pouvez donc vous consoler en vous disant qu’avec un petit effort, vous pouvez rattraper le cours.

Car c’est de cela qu’il s’agissait. Et plutôt que de résumer le cours, il faudrait insister sur un ou deux points. Tout d’abord l’idée que Badiou est un grand professeur en ce sens que les idées complexes qu’il développe semblent très claires et très persuasives quand il les énonce (et en fait semblent tout aussi claires que le texte mais sont beaucoup plus persuasives !) Ensuite l’idée que notre brave école républicaine n’est pas si égalitaire que ça, parce que des professeurs comme ça, on en voit rarement à Monptellier et en tout cas très rarement en philosophie. (Badiou a exercé à Paris comme professeur à Normale sup).

Faut-il décrire le cours ? C’est un peu débile, il me semble, mais bon, passage obligé. Il a introduit à partir d’élements historiques et utilisé la poésie comme outil de description dialectique. En gros, d’un coté, la raison et le théâtre… de l’autre la poésie et la danse. L’autre dialectique était celle du faux semblant. Le théâtre est une représentation, alors que les danseurs ne sont pas des personnages, ou des noms vrais ou fictifs. Le fameux texte de Mallarmé (que l’on trouve sur le web si l’on cherche bien, mais bon, il est en poche) lui a servi de base (et ses développements sont le sel de la chose).

Il a fini sur “l’oeuvre d’art totale”, sa tentative assez récente chez Wagner, qui était l’addition de la poésie, de la danse (et de la régie et du costume !) et de la musique. Il a suggéré que la tentative de la “performance” était la même tentative mais par soustraction des effets.

Je vous laisse méditer là dessus. Demain, je relis le “petit manuel d’inesthétique“.

PS : ça fait du bien, un penseur qui n’a pas peur du mot dialectique !

PPS : Pour ceux et celles qui ne le sauraient pas, Badiou est à la fois un auteur de théâtre et un philosophe. Il est un des derniers en France à encore penser le communisme comme un flux (et un reflux, il faut bien l’admettre). Heureusement, il n’est pas seul en Europe.

Le papier est effectivement assez intéressant. Mais il dégage à un moment une image assez morbide de la France, que l’on croirait à feu et à sang. Assez profondément déprimée, certes. En panne de créativité et mangée par un académisme qui refuse le risque et l’excellence, certes encore… Mais en même temps, pourrie par un overflow d’activités, de films, etc… Or cette abondanse n’est pas prise en compte dans le raisonnement ? Mais bon, c’est à lire, effectivement.

Il est par contre extrêmement agaçant dans son utilisation du mot “les politiques”. Nous sommes tous des politiques, nom de Dieu ! Qu’il y ait parmi nous des responsables politiques (et des irresponsables politiques), je ne le nie pas, mais il faut appeler un chat un chat. D’autant plus critiquable que quand il parle des “politiques” en fait il s’agit des élus ! Or, qui les a élus ? Sinon lui aussi !!!!? D’autre part, il repose sur l’ambiguïté fondamentale de notre pseudo-démocratie où l’abandon des citoyens pèse tout autant qu’un machiavélisme des hauts responsables. Je veux dire : la grande majorité des citoyens ne participent plus à la vie des partis, des syndicats et des journaux. Or c’est là que se joue le pouvoir (surtout partis et syndicats – c’est comme ça, et les journaux viennent en toile de fond). Ce qui fait qu’à chaque échéance semblant significative, certains citoyens se retournent là où ça semble se jouer et “interpellent”. Mais on n’interpelle pas dans une démocratie…

Pauvre ministère de la culture !

Point de vue |  | 13.01.12 | 13h09   •  Mis à jour le 13.01.12 | 13h09

par Pierre Sauvageot, compositeur, directeur de Lieux publics, centre national de création, Marseille

Samedi 14 janvier a eu lieu au Studio Glandier, l’avant-première de “J’ai besoin d’un toit, mais j’ai envie du château de Chambord”.

Un titre magnifique, non ? En ce qui nous concerne, il s’agit de l’adaptation en trio du livre (ou du moins d’une partie du livre) du même nom, dû à Babeth Fourest. Même si un très beau site (CLIK) en parle mieux que ce que je pourrais, il faut dire en deux mots qu’il s’agit d’un travail autour de l’epérience d’un atelier d’écriture pour les sans domicile fixe.

NOTE : Rita n’est pas la première a traiter ce sujet dans notre zone. Mais l’expérience d’Anabel Guérédrat ne reposait pas sur un texte… Et, en quelque sorte, le buto d’Annabel est une démarche plus logique là, nécessitant moins de “déplacement” mental… Ce qui n’est d’ailleurs ici en aucun cas un quelconque reproche ou une quelconque dépréciation. Il s’agit d’une remarque.

Le trio est mené avec Karim Ammour (acteur diseur et danseur) et avec Franck Vigroux, musicien qui bosse entre autres avec Bruno Chevillon (ah la la !) et qui tripote l’électronique et la guitare.

J’ai surtout beaucoup regardé Rita. Car une danseuse comme elle, il n’y en a pas tant.

Après, savoir si le parti-pris qu’il ont pour traiter le texte est le bon ou pas, là je dois dire que c’est trop difficile pour moi. Ce que je sais, c’est que j’ai beaucoup apprécié les lumières, que le son et le texte m’ont très souvent emporté, à part l’utilisation finale-finale des métronomes mécaniques. J’ai par contre été gêné par l’imitation d’un concert de rock, qui suggérait trop de choses sur le “sans domicile fixe semblant émerger comme personnage” de l’ensemble du discours.

Est-ce une pièce achevée ? Est-ce une avant-première, au sens d’une maquette ? Il faudra le demander à la dame. Qui mine de rien a proposé au public, en 6-7 mois, trois pièces, chacune dans un univers sonore et conceptuel fort différent.

Prochaines dates :
“TACT” création 2012 de Jackie Taffanel les 2, 3 et 4 février à 19h30.

stage Jam Contact : 11 et 12 février : Adrian Russi

les Artistes en Résidence en janvier : Linda Dorfers (théâtre), François Rascalou (danse)

La Chapelle
170,rue joachim du bellay 34070 montpellier
Tél: 04 67 42 08 95
www.lachapelle-gely.com

Chargée de production pour Vilcanota – bruno pradet & cie

+33(0)6 03 09 38 44 – production@compagnie-vilcanota.fr

www.compagnie-vilcanota.fr

1, rue des fenouils – 34070 Montpellier FRANCE

Artistique : Bruno PRADET - +33(0)9 51 15 71 33 – bruno.pradet@compagnie-vilcanota.fr

Administration : Elie GOLGEVIT - +33 (0)4 67 64 99 70 – administration@compagnie-vilcanota.fr

AVIS D’AUDITION

Compagnie Vilcanota – Montpellier

La compagnie VILCANOTA (compagnie de danse-théâtre – chorégraphe Bruno Pradet) recherche une danseuse pour une création intitulée “Gomme d’Habitude “,  en collaboration avec le groupe de musique « les Blérots de R.A.V.E.L. ».

Il s’agit d’une création pour 7 musiciens/chanteurs et 4 danseurs.

Période de création : automne 2012 / printemps 2013 (6 à 8 semaines de répétitions)

Tournée saison 2013/2014

Disponibilités demandées et connues à ce jour :

-          du 18 au 26 septembre 2012

-          du 24 octobre au 2 novembre 2012

-          du 16 au 22 décembre 2012

-          du 7 au 16 janvier 2013

-          du 11 au 16 février 2013

-          28/29 janvier, 18/19 mars 2013

D’autres périodes seront à prévoir.

Compétences demandées :

Bonne technique en danse contemporaine

Capacités d’interprétation théâtrale

Bonne sensibilité musicale

Goût certain pour l’improvisation

Capacité d’adaptation et facilités dans les contacts humains

L’audition se déroulera le 3 février 2012 à Montpellier.

Merci d’adresser vos candidatures à la compagnie par mail avant le 1^er février 2012.

Les candidats retenus pour l’audition seront prévenus individuellement.

Chers amis,